«Marriage Story», l'historiette

Marriage Story n’est pas l’histoire d’un mariage, c’est le récit elliptique d’un moment de la vie d’un couple, celui d’un divorce – à l’américaine, où avocats inhumains et histoires de gros sous occupent beaucoup d’espace. C’est un petit film de cinéma, sagement mis en scène, avec une distribution prestigieuse – Adam Driver, fidèle à son habitude, et Scarlett Johansson en girl next door. Les comédiens sont convaincants, et offrent quelques jolis instantanés. Mais ce téléfilm Netflix de luxe ne fait qu’effleurer la vérité des sentiments, en rejouant sans éclat des scènes convenues. Les dialogues sont pauvres, l’ambiguïté absente ; le tout reste désincarné et manque d’intelligence et de finesse – malgré un propos parfois teinté de nuances féministes. Bref, une historiette vite oubliée.

2/5

«Marriage Story», un film Netflix de Noah Baumbach (États-Unis, 2019, 2h18)
Avec Adam Driver, Scarlett Johansson...

«Paterson», la poésie du quotidien

Sept jours, une semaine, qui débutent et s'achèvent toujours de la même manière : au foyer. Une semaine de travail ordinaire, un week-end comme les autres. Paterson est une célébration tranquille des charmes discrets du quotidien. S'éveiller près de l'être aimé ; rire et se parler ; apprécier ses habitudes. Ne retenir que l'ordinaire beauté d'une journée de labeur - pour le protagoniste, chauffeur de bus, des fragments dérobés de la vie des passagers, des historiettes. Tout est prétexte à rire, à aimer - tout est prétexte à la poésie. Le film n'en fait aucune démonstration - il illustre cette idée simple de la plus simple des manières. Et c'est ainsi qu'il devient lui-même un joli poème du quotidien.

3/5

«Paterson», un film de Jim Jarmusch (Etats-Unis, 2016, 1h58)

Avec Adam Driver, Golshifteh Farahani...

Oslo, 31 août : vertige du néant

Anders a 34 ans et dresse un constat désespéré de son existence : «Je n'ai rien, je dois tout recommencer.» Rien construit, rien appris, pas aimé, tout détruit.

  

Anders est héroïnomane. En cette fin de mois d'août à Oslo, il obtient ses premières permissions au terme d'une longue cure de désintoxication. Si le poison semble lui laisser quelque répit, ses idées noires le torturent. Le film s'ouvre sur une relation sexuelle mécanique, qui creuse encore le vide intime du protagoniste et le conduit à une tentative de suicide.

Puis vient ce voyage à Oslo, pour un entretien d'embauche au poste de secrétaire de rédaction d'une revue. Anders est un intellectuel. Avant... avant la drogue, il a publié une poignée d'articles dans un journal estimé. Mais l'acuité de son intellect se retourne contre lui et le transperce, le torture. Ses analyses débouchent sur un néant vertigineux, un gouffre existentiel dans lequel les drogues l'aident à se noyer.

Le film suit l'errance d'Anders dans la capitale, d'un lointain ami à l'autre, de discussions en réflexions. Réminiscences d'antan, constats implacables et cyniques. Et pourtant la vie, les hommes ; pourtant, partout, le monde bruisse de rencontres et de conversations, de rires et de pensées; brille d'une beauté de fin d'été.

C'est dans cette fine analyse d'un désarroi existentiel –et l'esquisse de son remède– que le second long-métrage de Joachim Trier est le meilleur. Impossible de ne pas acquiescer aux idées noires, aux conclusions cinglantes de ces hommes inadaptés, trop gâtés, trop intelligents. «Il faut être bête pour être heureux», disent Anders et son ami de jeunesse.

Mais quand le film délaisse ces réflexions pour une virée nocturne en forme de spirale, il devient plus convenu, plus attendu, même s'il préserve quelques belles scènes, des fulgurances. Dommage, car ce 31 août à Oslo a la noirceur éclatante des journées où des amis brillants ressassent le néant d'une existence.

4/5

Oslo, 31 août, un film de Joachim Trier (Norvège, 1 h 36)

Avec Anders Danielsen Lie...

Cabeza de Vaca : nouveaux horizons hallucinés

Avec d'autres conquistadors, Alvaz Cabeza de Vaca, trésorier d'une expédition espagnole, échoue en Floride en 1528. Capturé par des Indiens, il devient esclave d'un sorcier local et de son compagnon, créature difforme qui abuse de son emprise sur l'homme blanc.
Ce sera l'apprentissage de l'Espagnol, comme un rite initiatique nécessaire pour se défaire de ses préjugés, oublier sa culture et s'abandonner à une nouvelle existence –celle d'un mystique, d'un chaman.

Une rééducation humiliante en forme de renonciation pour Cabeza de Vaca.

Assimilé, libéré, Cabeza entame une errance hallucinée vers le ponant, à travers l'Amérique des tribus, des puissances inintelligibles, ce continent «nouveau» que l'homme semble n'avoir pas encore domestiqué, étant seulement son hôte ou son symbiote.

Dès lors et comme l'Occidental «civilisé» du film, le spectateur devra s'abandonner à ce tourbillon halluciné, parfois difficilement lisible, dont le propos n'atteint jamais aucune conclusion; mais d'une rare puissance d'envoûtement.

Cabeza de Vaca accomplit des miracles pour ses tribus d'adoption.

Cabeza de Vaca renie sa langue, sa culture, sa religion; ses oripeaux et la raison; son humanité, pourrait-on croire; pourtant, au cours de cette traversée absurde où les massacres finissent par prendre le pas sur les miracles, il reste humain, n'abandonnant jamais la fraternité ni l'entraide, le plus raffiné des instincts grégaires ; une culture rituelle, le corps érotisé... cet humanisme qui survit à tous les déchaînements de violence.

Cet humanisme primitif, le protagoniste le partage avec le cinéaste comme avec les tribus amérindiennes. Nicolás Echevarría, dont c'est le métier d'origine, bâtit sa fiction sur le plus fascinant des documentaires ethnographiques, tant les diverses tribus croisées par l'explorateur chaman semblent revivre sur la toile, envoûtantes, à la frontière du fantastique.

Ainsi s'ébauche une œuvre d'une grande beauté, destinée au vagabond qui acceptera d'être déboussolé; de contempler jusqu'au vertige un tableau hypnotique de la nature et d'une humanité autre. Une errance hallucinée, une expérience mystique déconcertante, le poème d'un philosophe qui se refuserait à tous les dogmes, sinon à l'humanisme. Et un portrait de l'homme au XVIe siècle comme au XXIe – toujours aux prises avec ses sens et sa raison.

Cabeza de Vaca, de Nicolás Echevarría (1991, Mexique, 1h52).
Avec Juan Diego...

*** D'autres critiques :

• «Cabeza de Vaca: l'épopée hallucinée du conquistador devenu chaman», l'interview-critique de Thomas Sotinel pour Le Monde.
• «Les Nouveaux Mondes», la critique de Vincent Avenel pour Critikat.
• La chronique de Jérôme Momcilovic pour Chronic'art.

Faites le mur ! ou l'art de rire entre documentaire et réflexion

Banksy, sans doute le créateur le plus connu du street art, finit par reprendre le film en main. Au point que certains critiques se demandent qui manipule qui, et si le film comme son objet ne sont pas un canular agitprop.

Le street art, mouvement international et urbain, semble l'héritier noble (ou bien embourgeoisé et vidé de substance?...) du graffiti. Le support est identique – le béton des villes – l'éventail des techniques utilisées s'élargit aux pochoirs, collages et mosaïques, etc., la visée redevient politique et esthétique. Et même si les artistes de rue sont des acrobates que poursuit la police, leurs œuvres s'exposent et se cotent sur le marché de l'art contemporain.
C'est ce street art et ses protagonistes que décrit Faites le mur ! au départ. Thierry Guetta, Frenchman from L. A. fasciné par ces créateurs de l'ombre, les filme comme on pisse à l'aide d'une caméra vidéo. Ses images au kilomètre composent un vrai documentaire sur le street art, l'enregistrement d'œuvres par nature éphémères (quoique...) comme la geste d'aventuriers du bitume.

Mais un glissement s'opère au fil des séquences : le vidéaste devient l'objet du film ; le street art s'expose et se commercialise, enfin se vide de sa rébellion – quand ce n'est pas de toute substance. L'art n'est plus qu'une intention ?... Alors seules la lisibilité et la noblesse de celle-ci importent. Approchée par Guetta, la sommité Banksy reprend la caméra et incite l'admirateur à devenir artiste. Las ! la créature échappe à son maître dans un tourbillon drolatique et cynique.

Mister Brainwash, naïf sincère ou authentique cynique ?

Faites le mur !, un essai pour initiés ? Non !
Le documentaire est instructif, drôle et exaltant, qui interroge Invader, créateur de ces Space Invaders en mosaïque qui envahissent les métropoles du monde entier, ou encore Banksy, dont les pochoirs pleins d'espoir d'espoir entaillent le mur de sécurité construit par Israël sur les Territoires palestiniens.
La réflexion est passionnante, argumentée sans être pesante, large et profonde sans jamais s'éparpiller.
Le tout est fin, léger, rebelle et fun, et dépasse aisément son sujet. Et tant pis si c'est l'énième coup d'un maître du canular.

Faites le mur ! [Exit through the gift shop], de Banksy (2010, États-Unis et Royaume-Uni, 1h26)
Avec Thierry Guetta (aka Mr Brainwash), Banksy...

*** D'autres critiques :

• «Banksy quitte la rue pour le cinéma», la critique d'Isabelle Régnier pour Le Monde.
• «Au sens street», la critique de Marie Lechner pour LibéNext.
• Le «pour» d'Aurélien Ferenczi et le «contre» de Louis Guichard sur le site de Télérama.

Another Year : la tragédie des solitudes

Another Year et c'est la fin d'un siècle.
Antoher Year et rien ne change.

Tom (Jim Broadbent), Gerry (Ruth Sheen), le mariage incarné, au potager en compagnie de leur fils Joe (Oliver Maltman), l'adulescent

De prime abord, le film de Mike Leigh semble illustrer l'immuabilité – des saisons d'abord, du couple surtout. Du couple comme seul refuge à la tragédie humaine ; de celui que forment Tom et Gerry en particulier. Tom et Gerry ou le couple modèle – amour, famille et réussite sociale, et ces menus plaisirs d'un quotidien ronronnant. Le bonheur tiède et tranquille des bâtisseurs de civilisation. Mais un absolu déliquescent ; un modèle hors d'atteinte, sinon pour ses propres enfants.
L'image, pourtant, dans Another Year est changeante ; non que les protagonistes dérogent à leur constance : ils vacillent dans l'œil du spectateur. Car à trop le contempler, un tel monolithe ne peut être qu'écrasant et glacial, sans prise aucune tant il est concentré sur son seul noyau.

Ken (Peter Wight) et Mary (Lesley Manville) préfèrent oublier leur fardeau en solitaire

Autour du couple gravitent des figures esseulées, fulgurantes ou récurrentes. Revendiquant leur bonheur de façade et leur indépendance, mais comme hypnotisées par la figure granitique du couple amoureux à travers les âges. Des solitaires malheureux et complexés, dont la vie sans moitié est un naufrage. Disant chacun quelque chose de l'incommunicabilité des êtres, de la déréliction à l'aube d'un nouveau millénaire – ou de tout temps ? La fin d'un siècle... et rien ne change.
Tom+Gerry comme une icône solaire qui brûlerait ceux qu'elle attire le plus. Ainsi de Mary, vraie héroïne d'Another Year, fille perdue à la recherche à la recherche d'une famille d'adoption ; acceptée puis rejetée, regardée avec la plus cruelle condescendance, pour son incapacité à effleurer le modèle, voire la possibilité qu'elle l'ébranle.

Peut-être le spectateur est-il libre de se choisir tel ou tel alter ego dans la toile de Mike Leigh ; l'un pourra y voir une ode au mariage, l'autre une démonstration du lent naufrage d'un anachronisme. Derrière un vernis doux-amer, chacun verra dans Another Year une tragédie des comédies humaines.

Another Year, de Mike Leigh (2010, Royaume-Uni, 2h09)
Avec Lesley Manville, Ruth Sheen, Jim Broadbent...

*** Une autre critique :
«Another Year : l'impitoyable mécanique des saisons qui passent», la critique de Thomas Sotinel pour Le Monde.

Rubber : american nonsense/ en roue libre

(copyright UFO Distribution)

Rubber, c'est l'histoire de Robert, un pneu serial-killer. La boule de gomme trace sa route et tue par la «pensée» (sic) dans le quasi désert californien (superbe de l'aube au crépuscule, même – ou surtout – filmé avec... un appareil photo de moyenne gamme, le très hypé Canon EOS 5D Mark II).

Et c'est à peu près tout : il ne se passe rien dans le dernier film de Quentin Dupieux. Comme les spectateurs de la mise en abyme, évidemment plus stupides que des pneus, le spectateur (le vrai) sera déçu s'il attend de l'action, un thriller à l'américaine. Et comme eux, il sera tantôt flatté par des gags décalés, à l'arrière-goût amer, tantôt troublé. Et, Robert étant un pneu de goût, souvent sous le charme de Roxane Mesquida, la petite Varoise star de l'indie US.

À l'américaine pour la forme, donc, mais insensé surtout. Avec un argument pareil, Rubber est une ode à l'absurde, et le clame dès la scène d'ouverture – d'anthologie. Pourquoi un pneu tueur ? «No reason.» Pourquoi un film dans le film, pourquoi des gags grinçants, un charme inexpliqué ? «No reason.» Pourquoi un pneu, pourquoi tue-t-il, pourquoi... ne pas cesser les décryptages hasardeux et se laisser couler dans le fauteuil, hypnotisé ?....
Pourquoi aller voir Rubber ? Sans raison, juste pour le fun et parce que c'est joli.

Rubber, de Quentin Dupieux (2010, France et Etats-Unis, 1 h 25).
Avec Stephen Spinella, Roxane Mesquida...

*** D'autres critiques :

• «Pneu maniaque», par Fabien Reyre, sur le site Critikat.com
• «Un pneu qui crève», par Philippe Azoury pour Libération

The Killer inside me : I wanna shot the deputy

Dans une petite bourgade texane, un deputy sheriff, flic parfait malgré quelques pulsions sadiques, tombe amoureux d'une prostituée charmante, plus ou moins masochiste.

Love-story en deux-trois faux-raccords on ne peut plus clichés... Puis parce qu'il l'aime et que cela arrange bien ses affaires, et pour rester un bon garçon, il la tue, ainsi qu'un personnage introduit dans la scène précédente. Heureusement, on apprend bientôt que cela est lié à son enfance.

Le tueur et sa victime (Casey Affleck et Jessica Alba) semblaient pourtant si bien s'entendre... (photo du film copyright Mars distribution)

Difficile d'aller plus loin : outre ce scénario sans queue ni tête et sans enjeu, le spectateur doit endurer des dialogues d'une rare platitude, parfois répétés d'un ton sentencieux. Hormis notre deputy, les acteurs, corrects, campent des personnages inexistants. Enfin c'est d'un classicisme formel à ronfler — les seules scènes où l'on s'éveille sont pseudo-pornographiques, de soft sex ou d'ultraviolence, filmées sans talent, ni regard autre que complaisant.
Sans intérêt, nul.

The Killer inside me, de Michael Winterbottom (2010, Etats-Unis et Royaume-Uni, 2h) Avec Casey Affleck...

*** Une autre critique :

• Celle d'Isabelle Regnier pour Le Monde, « The Killer inside me : un polar poussif et rance »

Bright Star, beauté glacée

La félicité de Fannie Brawne (Abbie Cornish) à la lecture d'une lettre de son bien-aimé
(photo du film copyright Pathé Distribution / Laurie Sparham)

En 1818 en Angleterre, Fanny Brawne, dix-huit ans, jeune coquette au caractère bien trempé, qui crée les robes exubérantes qu'elle porte, tombe amoureuse de son voisin John Keats, pauvre poète à la santé fragile, un gamin de vingt-trois ans qui s'amuse autant qu'il médite et écrit.
Récit romantique de leurs amours chastes et contrariées, Bright Star est un film en costumes de facture classique, qui parvient toutefois à briller d'un éclat ténu parmi la multitude. Il y a là l'élégance, la beauté et une certaine vérité poétiques. Surtout, la félicité goûtée par les amoureux donne au film ses instants de grâce : ainsi de cette révélation de l'amour à la jeune fille — sur son petit lit, face à la fenêtre ouverte inondée de lumière et dont les grands rideaux flottent au vent du printemps ou de l'été ; une chambre bientôt envahie de papillons... Ou de ces promenades au jardin, dans les bois, bucoliques splendeurs.

John Keats (photo du film copyright Pathé Distribution / Laurie Sparham)

Mais le bonheur romantique est toujours fugace ; et l'Angleterre du dix-neuvième siècle, la vie de John Keats et Fanny Brawne en particulier, n'autorise pas une grâce perpétuelle. Peut-être suis-je en décalage avec l'esprit romantique : le bonheur du couple m'a ravi, ses tourments m'ont tenu à distance.

Car le grand écueil de ces récits d'amours chastes et impossibles, que n'évite pas tout à fait ce film un peu froid, c'est bien que le spectateur s'en trouve trop éloigné ; se sente étranger aux tourments des protagonistes, ennuyé plus qu'exalté par tous ces obstacles à l'expression de leurs sentiments.

Ce mélodrame n'émeut que sporadiquement, autrement se regarde de loin, ; Bright Star, beauté désuète et glacée, occasionnellement lumineuse mais jamais flamboyante.

Bright Star, de Jane Campion (2010, Royaume-Uni, 1h59)
Avec Abbie Cornish, Ben Whishaw...

*** Une autre critique :

• Celle d'Aurélien Ferenczi sur le site de Télérama.

Mother, génial hybride

La mère (jamais nommée) est incarnée par Kim Hye-ja, mère-courage vedette
des téléfilms coréens (photo du film copyright Diaphana Films)

Dans Mother, c'est évidemment un personnage de mère qui est au centre. Mais elle regarde ailleurs en permanence, semble ne vivre que pour son fils — Do-joon, simple d'esprit qui à 28 ans dort encore contre son sein.
Le couple fusionnel vit sa routine dans un bourg rural d'une grande quiétude. Mais cette tranquillité de façade est vite troublée par un crime : une lycéenne est retrouvée morte, et tout accuse Do-joon... qui ne se souvient de rien.

Le film de Bong Joon-ho balance entre mélodrame et polar, entre une enquête à suspense, menée par une mère en furie pour innocenter son enfant, et le portrait touchant de protagonistes à la marge de la société. Et pourtant Mother conserve presque tout du long ce calme parfois irréel, zébré d'éclairs de violence, de scènes surréalistes et d'éclats d'humour noir ou burlesque.
Le jour, dans la douceur solaire, le spectateur ne peut soupçonner la nuit, les jours d'orage, les dessous sordides de cette société. L'image d'Epinal est vite ébranlée par la quête violente et désespérée de la mère ; le vernis du tableau idyllique se fissure sous la révélation du vice et de la violence, de l'injustice et de tous les non-dits de cette communauté.

Do-joon (Won Bin), simple d'esprit dépendant de sa mère, lutte contre sa mémoire
(photo du film copyright Diaphana Films)

Il y a du génie dans ce mélodrame grinçant qui s'acoquine avec le policier contemplatif. Le génie de la mise en scène — l'esthétique du film est incroyable, chaque plan raconte mille histoires, fascine. Un vrai don pour faire vivre ces personnages bizarres et denses. Et la réussite éclatante d'une hybridation des genres, qui tient en haleine autant qu'elle touche, effraie, déchire même. Bong Joon-ho se paie jusqu'au luxe de livrer par touches légères une vraie réflexion sur la mémoire...

Mother, de Bong Joon-ho (2010, Corée, 2h10) Avec Kim Hye-ja, Won Bin...

*** Plus d'infos :

• « Médée matériau », la critique de Mathieu Macheret sur Critikat.
• « Mother : femme prête à tout pour sauver son fils », la critique de Jean-François Rauger sur le site du Monde.

Une Jeune fille à la dérive, mélo naturaliste du Japon d'après-guerre

L'affiche du film pour sa ressortie en salles le 22 juillet 2009
(copyright E.D. Distribution)

Une Jeune fille à la dérive (1963), de Kirio Urayama, raconte les amours contrariées de Saburo, 21 ans, et Wakae, 15 ans. Un jeune adulte et une adolescente — deux êtres à l'âge de tous les (im)possibles.
Lui, fils de bonne famille diplômé, se retrouve au chômage et revient dans sa famille — des notables d'un village de campagne — après une brève expérience de l'indépendance. Il tente d'échapper au modèle de son frère, jeune conseiller municipal conservateur, influent et ambitieux.
Elle aussi tente de fuir : les siens, son père alcoolique, veuf ; la misère. Serveuse et voleuse à la petite semaine, livrée à la convoitise des hommes, elle dérive, sans avenir.
L'un a l'indignation douce, un peu indifférente, l'autre a la révolte incandescente et violente. Ils s'aimantent évidemment, envers et contre tout.

Saburo (Mitsuo Hamada) et Wakae (Masako Izumi)
(image du film, copyright E.D. Distribution)

Kirio Urayama met en scène des «presque adultes» attachants, aux rêves et aux désirs informulés ou impossibles à assouvir. Le couple se cherche en subissant les affres de l'indécision propre à cet âge.
Mais malgré quelques audaces formelles, Une Jeune fille à la dérive est finalement un mélodrame assez classique sur l'air de «je t'aime, moi non plus» — un air entêtant, jusqu'à fatiguer à la longue. Est-ce ce défaut d'audace, ou un certain manque d'intensité — alors que l'héroïne est voulue incandescente, que les personnages sont censés être au bord de la rupture... le film est sympathique, mais trop sage, et pas fiévreux ni bouleversant comme des enfants perdus à cet âge-là.
La toile de fond, par contre, est originale et réussie. Le film se déroule dans le Japon d'après-guerre, période charnière et tourmentée ; les scènes naturalistes, la chronique sociale, bien présentes et revendiquées dans le film, sont fascinantes et instructives. Dure, tendre ou drôle, historique ou sociale, cette peinture de la société d'alors, éclairée par la classique élégance de la photographie, est sans doute le point fort du film.

Une Jeune fille à la dérive, de Kirio Urayama (1963, Japon, 1h56)
Avec Masako Izumi, Mitsuo Hamada...

*** Plus d'infos :

• La fiche consacrée au film sur le site de son distributeur, E.D. Distribution, qui pointe notamment vers des entretiens très intéressants, dont l'un entre MM. Urayama et Truffaut.
• La critique de Jérôme Momcilovic sur le site du magazine Chronic'art.
• «Mauvaise vie», la critique de Nicolas Journet sur le site Critikat.

Tetro, ombres et lumières sur la célébrité

Francis Ford Coppola (photo de presse officielle, par Mihai Malamaire)

Toutes les composantes d'un drame familial sont réunies dans Tetro : des protagonistes aux origines troubles, la fascination et la rivalité entre deux frères, entre père et fils ; de nombreuses résonances avec la biographie du réalisateur Francis Ford Coppola...

Pourtant Tetro n'est pas intéressant pour cela. C'est même un coeur de film un peu faiblard : les personnages ne suscitent pas d'empathie, n'émeuvent pas le spectateur. Bien loin du naturel et de la sensibilité du Rusty James qu'elle évoque, la froide première partie déçoit, qui manque de naturel et de subtilité. Même si l'élégance de la réalisation et les acteurs, convaincants à défaut d'être bouleversants, maintiennent un intérêt modéré.
Non, Tetro s'intéresse aux lumières et aux images de la célébrité. L'ouverture : Vincent Gallo regarde un papillon virevolter autour d'une lampe et s'écraser sur le verre de l'ampoule. Le noir et blanc n'est que jeux d'ombres ; Tetro est devenu éclairagiste dans les milieux branchés après avoir renoncé à l'art ; des miroirs parsèment les plans, des écrans lors du finale.
Coppola brode une abracadabrante tragédie sur un canevas familial : c'est une boutade adressée à la critique, un prétexte pour une réflexion désabusée - sans doute largement personnelle - sur la célébrité et certains moteurs de la création. Il y a des plans grandiloquents et épatants, qui fascinent par leur beauté et leurs promesses, repoussent par l'ironie et la distance qu'y introduit le réalisateur - souvent par le contrepoint d'une scène montrant tel ou tel parent/alter ego d'un protagoniste.
Ainsi Tetro prend de l'ampleur, par l'accumulation de récits, de séquences sombres, lumineuses ou en couleur, de formats différents ; de scènes burlesques, dramatiques ou surréalistes... En résulte une oeuvre plus complexe qu'il n'y paraît de prime abord, inégale et d'un abord difficile mais d'une force indiscutable.

Tetro, de Francis Ford Coppola (2009, Argentine-Espagne-Italie, 2h07)
Avec Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdu...

*** D'autres critiques :

• "Maladie de renaissance", de Benoît Smith, sur Critikat.com
• La critique de Jérôme Momcilovic sur le site de Chronic'art

Avatar, héraut sans grâce du spectacle en 3D

Il me fallait voir Avatar. Déjà parce que cela me permettait d'aller au cinéma accompagné, pour une fois. Surtout parce que le film de James Cameron était annoncé comme le premier blockbuster en 3D digne d'intérêt, apprécié même des critiques les plus érudits.

Pressés par Hollywood et par Wall Street, les médias prophétisaient depuis des mois que le nouveau film du réalisateur de Titanic (1997) battrait son prédécesseur, record de France et du monde du nombre d'entrées, invaincu à ce jour mais déjà talonné par le dernier-né. Avatar, l'un des films les plus coûteux de l'histoire du cinéma industriel (mais pas réellement le numéro un, selon l'IMDB), ouvrirait l'ère des super-productions en 3D ou précipiterait Hollywood dans une grave crise. La production entrerait dans l'histoire de l'industrie cinématographique - et les oracles aux voix d'or disaient vrai...

Jake Sully (incarné par Sam Worthington) sur Pandora, dans la peau de son avatar Na'vi (photo du film copyright Twentieth Century Fox France)

Le mardi suivant la sortie du film, donc, après avoir réservé ma place sur internet, payé 12,70 euros et rusé avec mes amis pour m'installer sur un fauteuil central dans une salle comble, j'ai vu Avatar - hélas doublé en français, VO et 3D semblant inconciliables en province.
J'ai vu Avatar et je n'ai pas été déçu. D'une certaine façon, j'ai même été emballé. C'est du très grand spectacle, un pur divertissement immersif et prenant, qui touche au conte fantastique. Quand j'irai voir une superproduction, les années bissextiles, je voudrais qu'elle soit au moins aussi ébouriffante qu'Avatar. Mais un peu mieux écrite, plus humaine et plus esthétique, tant qu'à faire.
Le récit, bien que très simple, conserve la force des légendes populaires et parvient à transporter le spectateur. A toucher malgré la nullité des dialogues (heureusement limités), dont pas une réplique n'a été entendue dans toutes les bandes-annonces de tous les blockbusters. Pourtant, en germe au creux d'une péripétie, on effleure des thèmes cruciaux, dont le film refuse de s'emparer, tels les rapports de l'homme aux technologies.
Les personnages aussi restent à l'état d'ébauches archétypiques, inhumains donc. Et d'autant plus qu'Avatar est presque un film d'animation : malgré la surimpression de visages réels aux images de synthèse, les regards évoquent davantage le cartoon que l'intensité d'un film d'acteurs, et les corps grotesques des Na'vis s'expriment par une caricature mille fois mimée.
Pourtant on est happé. Par l'exploration de la planète imaginaire Pandora, surtout - qui est souvent aussi la découverte de la troisième dimension, ici utilisée avec parcimonie et un goût certain. La réussite technique parvient presque à passer pour artistique, jusqu'à subir la vue d'un plan violacé ou d'une créature disgracieuse. Car le film souffre d'une esthétique Polly Pocket moquée par Télérama.

Avatar est donc une aventure galvanisante, une féérie technologique, mais à la manière d'un parc de Walt Disney, valable et amusant une fois tant que l'on supporte la guimauve, trop superficiel pour que l'on s'y attarde et qu'on le préfère à la beauté réelle de la nature et des hommes.

Avatar, de James Cameron (2009, Etats-Unis, 2h41)
Avec Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang...

*** D'autres critiques :

• "Nouvelle frontière" par Jean-Sébastien Chauvin, sur le site des Cahiers du cinéma.
• La critique de Julien Abadie sur le site de Chronic'art.